„Es ist so schön, Sie zu sehen“ – TSO und das Nationalballett begrüßen das Publikum zum ersten Mal seit über 20 Monaten wieder persönlich

Stehende Ovationen folgen in der Regel einer Aufführung. Das Gegenteil geschah am Mittwochabend, als Musiker des Toronto Symphony Orchestra zum Start der Saison 2021-2022 die Bühne betraten, und das aus mehreren zwingenden Gründen.

Trotz seiner öffentlichen Präsenz durch Online-Konzerte, Live-Auftritte und eine Reihe von Community-Events war dies das erste Mal seit über 20 Monaten, dass das TSO vor einem persönlichen Publikum in seinem Haus in der Roy Thomson Hall aufgetreten war. Niemand schien es zu stören, dass die Show aufgrund der lächerlichen Zeit, die es dauerte, die Impfpässe der Kunden zu überprüfen, 20 Minuten zu spät begann. Es war ein Publikum, das nach Befriedigung sehnte.

Der Abend war auch die erste Gelegenheit für den in Spanien geborenen Dirigenten Gustavo Gimeno, 45, offiziell die musikalische Leitung von TSO, dem 10. in der 100-jährigen Geschichte des Orchesters, zu übernehmen. Als der gelassene Gimeno seinen Auftritt hatte, schwoll der anhaltende Applaus hörbar an. Wie er am nächsten Morgen erklärte, hatte Gimeno während der Pandemie mehrere Gelegenheiten, in Städten auf beiden Seiten des Atlantiks persönliche Auftritte zu geben, aber die Begeisterung des Toronto-Publikums und das persönliche Bewusstsein, dass er schließlich den Leiter des TSO übernahm brachte einen Kloß im Hals.

„Ich war überwältigt“, sagte Gimeno. „Es war eine einzigartige und wundervolle Zeit, als wären die letzten 20 Monate ein Albtraum gewesen und jetzt sind wir wach.“

Als vorläufiger Beweis für den Zeitplan dieser Woche kann Gimenos präzise eingesetzter Stick den TSO in Momenten außergewöhnlicher Musikalität inspirieren. Gimeno war klar, dass es ihm nur darum geht, Dinge zu vermischen. So deckt das rund einstündige Programm ohne Pause – Haydn, Hindemith, Schubert und eine neuere Komposition des amerikanischen Komponisten Anthony Barfield – mehr als 240 Jahre abendländische Musikgeschichte ab.

Angesichts der Unsicherheiten bei den Mandaten im Bereich der öffentlichen Gesundheit wurde das Konzert Monate im Voraus geplant, um eine gewisse physische Distanz zwischen den Spielern zu ermöglichen – einige maskiert; andere, wie mehrere straffällige Zuschauer, nicht – und von kompakter Länge sein. Ein kleineres Orchester schränkt die Programmiermöglichkeiten ein.

Jedes Orchesterkonzert muss sich heute einem neuen Werk beugen, doch die Wahl von Barfields „Invictus“ (Unconquered), komponiert für ein 15-Bläser-Ensemble, hier allerdings auf 12 Musiker reduziert, hat sich als rätselhaft erwiesen. Es wurde im Sommer 2020 als „Second-Hand-Stück“ komponiert, das sich an ein New Yorker Publikum richtet und unruhige Zeiten widerspiegelt – eine schreckliche Zahl von Pandemien und Black Lives Matter –, aber auch eine Hommage an die Widerstandsfähigkeit der ikonischen Stadt Unglück. Schauen Sie sich die Online-Aufzeichnung der Open-Air-Premiere des Lincoln Center Plaza an und Sie werden in der Lage sein, seine ursprüngliche Kraft zu spüren und sich seinen Einfluss auf eine Bevölkerung vorzustellen, die bis zum Zerreißen gespannt ist. Aber heute, im gemütlichen Toronto? Nicht wirklich.

Joseph Haydns Ouvertüre zu „L’Isola disabitata“ (wörtlich: die unbewohnte Insel) enthüllte den österreichischen Komponisten in einer lebendigeren und schattigeren Atmosphäre, als man sie mit dieser Bastion der musikalischen Klassik verbindet. Gimeno dirigierte sein Orchester durch eine klare und detaillierte Aufführung, die sich durch seine besondere Aufmerksamkeit für die Dynamik auszeichnet.

„Konzertmusik für Blechbläser und Streicher op. 50“ war wohl der Höhepunkt des Abends und demonstrierte Gimenos festes Verständnis der Architektur eines Werkes, in diesem Fall basierend auf einer harmonisch modernistischen Konversation zwischen zwei kontrastierenden Orchesterwerken rhythmischer Komplexität ist dies ein Werk, das leicht aus den Fugen springen kann, aber Gimeno hat es fest in der Spur gehalten, während er markante Details in der Partitur hervorhebt, die zu oft in einer schlammigen Darbietung verloren gehen.

Was ist mit Franz Schuberts allzu bekannter „Symphonie Nr. 5“, außer dass, wenn Sie nach einem eingängigeren Titel suchen, „Mozart on My Mind“ sehr gut geeignet wäre. Es ist keine schlechte Symphonie. Es ist nur so, dass seine jugendliche Verehrung von Mozart die Sehnsucht nach etwas Überzeugenderem Schubertianer hinterlässt. Es war elegant gespielt, aber es war immer noch ein etwas langweiliger Abschluss des Abends.

Am Donnerstagabend war das National Ballet of Canada an der Reihe, seine Saison 2021-22 zu eröffnen, wie das TSO nach einer 20-monatigen Abwesenheit von seiner Heimatstadt, dem Four Seasons Center, jedoch nur 10 Minuten zu spät Impfpass.

„Willkommen zurück“ war der Slogan auf dem vorderen Vorhang des Zimmers. „Es ist so schön, Sie zu sehen“, war der einfache, aber herzliche Gruß des Vorstandsvorsitzenden des Unternehmens, Barry Hughson, als er später herauskam, um vor einem anscheinend ziemlich vollen Raum zu sprechen. Im Gegensatz zum ÜNB, der derzeit noch 60 % seiner Kapazität ausmacht, nutzt das Nationalballett die neuesten Richtlinien, um potenziell zu 100 % zu verkaufen.

Das Programm selbst war jedoch für den Frühling geplant, da weiterhin ungewiss war, was im Herbst erlaubt sein könnte; daher ein recht kurzes Programm ohne Pause von zwei Balletten in einem Akt, aus logistischen Gründen getrennt durch die Vorführung von „Soul“, einer Kurzarbeit, die das Nationalballett vor mehr als einem Jahr bei der Choreografin Jera Wolfe für die Programmierung in Auftrag gegeben hat. Die kleine Besetzung von zwei Paaren erinnert an die strengen Richtlinien für die öffentliche Gesundheit, die während der Aufnahmen von „Soul“ galten. Seine Stimmung spricht für den Wunsch nach menschlicher Verbindung, der während der gesamten Pandemie vorherrscht.

Ballette sind nicht nur darauf ausgerichtet, das Publikum anzuziehen, sondern auch, weil eine große Kompanie beschäftigt sein muss. Dieses Doppelprogramm aus der mittlerweile emblematischen „Serenade“ des russisch-amerikanischen Choreografen George Balanchine von 1935 und dem Auftragswerk der kanadischen Choreografin Crystal Pite „Angels‘ Atlas“ vom Februar letzten Jahres qualifiziert sich in beiden Punkten. Weit unterlegen spielen die Männer in „Sérénade“ die zweite Geige. Im „Angels‘ Atlas“ sind sie gleichberechtigt präsent.

Beide sind auf unterschiedliche Weise rätselhafte Ballette. Es ist zwecklos, dem einen oder anderen eine bestimmte Bedeutung zuschreiben zu wollen. Freude und Trauer, Begegnungen und Trennungen, Leben und Tod, Zeichen der Göttlichkeit? Es gibt viel Raum für Spekulationen, aber wie Musik werden diese Ballette nicht nach Vernunft, sondern nach Instinkt empfunden. Auf jeden Fall sind sie beide zutiefst fesselnde Werke und die Tänzer des Nationalballetts haben ihnen alles gegeben, was sie hatten.